Dramatiskā dzeja, kas pazīstama arī kā dramatisks dzejolis vai dzejolis, ir rakstisks darbs, kas gan stāsta stāstu, gan savieno lasītāju ar auditoriju caur emocijām vai uzvedību. Stāstījuma veids, kas ir cieši saistīts ar aktiermākslu, tas parasti tiek izpildīts fiziski, un to var runāt vai dziedāt. Parasti tas izmanto noteiktu atskaņu vai metru rakstu, atšķirot to no prozas. Tā ir attīstījusies kopš tās pirmsākumiem Senajā Grieķijā, taču tā joprojām ir saglabājusies mūsdienās, īpaši operu libretos. Stingru vadlīniju trūkums padara zināmu diskusiju par to, kas īsti ir uzskatāms par dramatisku dzejoli, taču kopumā četrās galvenajās pieņemtajās formās ietilpst monologs, dramatisks monologs, rakstura skice un dialogs.
vēsture
Senajā Grieķijā cilvēki devās uz teātri, lai skatītos dzīvās izrādes izklaides nolūkos, līdzīgi kā cilvēki to dara mūsdienās. Tiem, kas spēlēja lugās, bieži vajadzēja ļoti ātri iegaumēt savas daļas, tāpēc dramaturgi centās viņiem palīdzēt, ievietojot tekstu metra vai atskaņas rakstā, kas bija vieglāk iegaumējams. Laika gaitā rakstnieki, aktieri un plašāka sabiedrība sāka dot priekšroku brīvākam dzejoļa stilam, tāpēc renesansē lugas bieži veidoja no prozas un atskaņu vai mērītu daļu kombinācijas. Galu galā neierobežota runa kļuva par standartu, bet dramatiskā dzeja izdzīvoja, galvenokārt pateicoties operu libretiem, jo atskaņas un konkrēts zilbju skaits vienā rindā labi savienojās ar mūzikas frāzēm.
Galvenās iezīmes
Šāda veida dzejā tiek izmantota vismaz viena cilvēka runa un darbības, lai attēlotu ainu vai sižetu. Tas atšķiras no vienkārša naratīva, jo parasti galvenā uzmanība tiek pievērsta tam, kā šis indivīds emocionāli vai fiziski kontrolē vai reaģē uz to, kas notiek, tas ir, tas ir vairāk nekā vienkāršs faktu skaidrojums. Bieži vien tas ir no varoņa skatpunkta, sniedzot skatītājiem priekšstatu par viņa personību, morāli, vēsturi un sapņiem.
Kopumā atdzīvināt izdomātu cilvēku ir daudz vieglāk, ja kāds fiziski var parādīt, kas šim varonim ir jājūt vai jādara. Tas ir galvenais veids, kā dramatiskā dzeja atdala sevi no citām formām — atšķirībā no skapja dzejas, ko kāds vienkārši nolasa no lapas, tai ir nepieciešama darbība, piemēram, sejas izteiksmes veidošana, žestikulēšana vai mijiedarbība ar citiem cilvēkiem vai lietām telpā. Šī iemesla dēļ aktiermākslai un šāda veida literatūrai ir cieša saikne, un daži aktieri un aktrises to izmanto praksē.
Vēl viena galvenā iezīme ir tāda, ka teksts parasti atbilst dzejoļa formai vai atskaņām. Rezultātā tas parasti beidzas ļoti ritmiski. Rakstnieki bieži par to domā, veidojot jaunu dramatisku dzejoli, jo viņi vēlas, lai cilvēks varētu labi izpildīt rindas, un tāpēc, ka viņi vēlas, lai auditorija saprastu, kas notiek. Tomēr var būt grūti iegūt šo dabiskumu vienkārši tāpēc, ka ikdienas runa parasti vairāk atgādina prozu, tāpēc daži rakstnieki vilcinās izmantot šo stilu.
Veidlapas
Dramatiskā dzeja var izpausties vienā no vairākām formām: monologs, dramatisks monologs, rakstura skice un dialogs. Jebkura no šīm formām var pastāvēt pati par sevi, bet, rakstot lugu, viņš var izmantot vairāk nekā vienu stilu atkarībā no tā, kā viņš vēlas parādīt attīstību. Labākie aktieri un aktrises spēj nemanāmi pāriet no vienas formas uz otru, lai gan daži galu galā specializējas.
Solorunā varonis runā galvenokārt ar sevi, nevis mijiedarbojas ar kādu citu. Parasti tas ir labs veids, kā ātri parādīt, ko viņš domā, vēlas vai gatavojas darīt, jo tas sniedz ieskatu viņa prātā. Iespējams, labākais piemērs ir Viljama Šekspīra traģiskā luga Hamlets, kurā Hamlets apšauba, vai labāk dzīvot vai mirt.
Dramatisks monologs ir ļoti līdzīgs monologam, jo tas atklāj kaut ko par runājošo personāžu. Galvenā atšķirība ir tā, ka šeit aktieris izrādē runā ar kādu citu, nevis tikai ar sevi. Šī otrā persona neko nesaka, bet viņu klātbūtne bieži padara runu mazliet ticamāku. Šāda veida dramatiskā dzeja parasti parādās sižeta kritiskos brīžos.
Ar rakstura skici rakstnieka galvenais mērķis ir likt skatītājiem kaut ko just pret varoni, nevis virzīt sižetu līdzi. Sajūta var būt līdzjūtība, naids vai jebkas pa vidu, taču rezultāts parasti ir tāds, ka izrādes skatīšanās cilvēks kļūst emocionāli saistīts ar notiekošo, radot atmiņā paliekošāku teātra pieredzi. Indivīdam, kas sniedz līnijas, ir galvenā novērotāja loma.
Dialogam ir nepieciešami vismaz divi cilvēki, kuri apmainās, lai virzītu darbību, sniegtu informāciju vai pastāstītu kaut ko par sevi. Šīs formas priekšrocība ir tāda, ka aktieri var izspēlēt viens otru, dabiski reaģējot uz to, ko dara otrs, lai izrāde nešķiet pārāk iestudēta. Tomēr izaicinājums, izmantojot to dramatiskajā dzejā, ir tāds, ka rakstītājam ir jāsaglabā zināma līdzība starp abu runātāju teksta ritmu un metru, pat ja viņš cenšas likt katram no viņiem šķist atsevišķa personība. Dramatiski mainot skaitītāju vai atskaņu shēmu, katrai personai runājot, kopējā ainas plūsma var šķist pārāk nemierīga vai atvienota. Piemērs šajā grupā ir Viljama Batlera Jeitsa The Shadowy Waters.
Debates
Nav noteiktas vadlīnijas par to, kas tieši padara tekstu poētisku, un dažreiz robeža starp taisnu prozu un strukturētu rakstīšanu ir ļoti maza. Tāpēc tas, ko tehniski var saukt par dramatisku dzejoli, zināmā mērā ir interpretācijas ziņā. Lai visu padarītu vēl sarežģītāku, nereti cilvēki pielāgo “parastos” dzejoļus skatuvei, tāpēc, mēģinot kategorizēt dažādus darbus, tas, ko cilvēks dara ar tekstu, ir tikpat svarīgs kā tas, kas ir pašā rakstā.